Fecha
Martes a domingos. Del 24 de mayo al 5 de octubre de 2025.
Horario
11:00 a 21:00 de martes a sábado y de 10:00 a 16:00 los domingos
El Centro Cultural de España en México presenta Ficciones: Narratividad en el arte contemporáneo, una exposición colectiva del curador Ferran Barenblit que profundiza en la reflexión sobre los límites y posibilidades de la experimentación narrativa en el arte visual, explorando cómo puede aportar dimensiones emocionales y experiencias que se diferencian, complementan y dialogan con la literatura. En un momento de grandes avances tecnológicos —cuando mucha de la información que recibimos y conforma los relatos del mundo actual es intensa, fugaz y de una credibilidad limitada—, es importante pensar en otros relatos: aquellos que confían en nuestra capacidad de construir una visión de la realidad. La exposición, que llega del Museo de Arte de Zapopan, Jalisco México, se inauguró en el marco de la última edición de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL) 2024, en la que España fue País Invitado de Honor.
Ficciones: Narratividad en el arte contemporáneo explora cómo el análisis, la interpretación y la construcción de relatos han tomado un lugar central en el arte actual. La exposición tiene su punto de partida en la relación profunda y apasionada entre arte y literatura, no solo como fuente de inspiración, sino como un diálogo continuo en el que se traman realidades alternativas y complejas. En un contexto de cambio de época, tras el fin de las crónicas hegemónicas que modularon la cultura occidental desde el inicio de la modernidad —y su contrapunto en la posmodernidad—, emerge la oportunidad para las voces dispersas, las historias improbables y los cuentos sin moraleja.
Cada uno de los trabajos de la muestra representa una apuesta por producir subjetividades, por traducir experiencias individuales y colectivas en relatos que, al interpretarse, revelan cómo se construye la historia. Las inevitables pérdidas y añadidos en el proceso de interpretación —algunos de ellos extraordinariamente sutiles— enriquecen los significados, añadiendo capas que reconfiguran la percepción de lo real a través de imágenes, textos y acciones performativas. En este marco, la narratividad se convierte en un principio de articulación del sentido que, lejos de ofrecer verdades universales, plasma miradas fragmentadas y múltiples.
La exposición también aborda la influencia de las narrativas en la era de la sobreabundancia de información, donde el relato ha reemplazado a la ideología como eje articulador. En la era de la posverdad, vivimos ante el riesgo de que la repetición insistente de falsedades genere la apariencia de construcciones verosímiles, con consecuencias políticas imprevisibles e indeseables. Las obras aquí reunidas proponen una gramática narrativa que cuestiona realidades culturales, políticas y sociales, invitándonos a reflexionar sobre el poder del relato en un mundo en constante negociación de sentidos.
La inauguración de la muestra tendrá lugar el día sábado 24 de mayo y contaremos con el siguiente programa inaugural:
Ferran Barenblit es curador nacido en Buenos Aires, Argentina 1968 estudió Historia del arte en la Universidad de Barcelona (1991) y Museología en la New York University (1995). A finales de julio de 2015 fue nombrado director del Macba (Museu d’Art Contemporani de Barcelona), un puesto que abandona el 31 de agosto de 2021. En junio de 2021, se anunció su nombramiento como profesor invitado de la Universidad de Michigan en Ann Arbor para el curso 2021-2022. Anteriormente, de 2008 a 2015 fue director del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) en Madrid, España. Entre 2002 y 2008, Barenblit fue director del Centre d’Art Santa Mònica. Entre 1996-1998 y 2000-2001 fue comisario del Espai 13, Fundació Joan Miró. Como responsable de esta sala de proyectos de la Fundació Joan Miró. En el período comprendido entre 1994 y 1996, fue asistente curatorial en The New Museum, Nueva York.
Alan Sierra (Sonora, México, 1990) es un artista y escritor que trabaja frecuentemente como curador, editor y educador. Su obra se compone de texto, dibujo, escultura y performance que podrían interpretarse como escritura. Participó en el Programa Educativo de SOMA en la Ciudad de México y completó su maestría en Bellas Artes en el Institute Art Gender Nature de Basilea, Suiza. Nonverbal, su primer libro de dibujos, fue publicado por Gato Negro en 2019. Algunas de sus exposiciones recientes incluyen la individual Vísperas en La Capella, Barcelona (2022), y las colectivas Who Tells a Tale Adds a Tale (2021) en el Denver Art Museum, EE. UU., y Omissísimo en la Galeria Cavalo, Río de Janeiro, Brasil (2020).
Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) es artista visual egresado de la Universidad de Barcelona. Ha realizado exposiciones individuales en instituciones como el MACBA (2005), Fundação de Serralves en Porto, IKON Gallery en Birmingham, ZKM en Karlsruhe (todas en 2006), la Pinacoteca do Estado de São Paulo (2010), Museo Artium de Vitoria (2012), Museo Reina Sofía (2015), Fundación Joan Miró (2016), Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá (2017), Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb y Galería Kula en Split (2018), Meadows Museum en Dallas (2022) y el CAAC de Sevilla (2024).
Ha expuesto en galerías como Estrany-de la Mota (Barcelona), Elba Benítez (Madrid), Meessen de Clercq (Bruselas), Nordenhake (Berlín), Proyecto Paralelo (Ciudad de México) y Vera Cortês (Lisboa). Participó en la 52.ª Bienal de Venecia (2007), la Bienal de Sharjah (2007), la Bienal de Sídney (1998), la Trienal de Guangzhou (2012) y la Bienal de Cuenca (2016). Recibió el Premio Nacional de Artes Gráficas (2009) y el V Premio Joan Miró (2015). En 2022 representó a España en la 59.ª Bienal de Venecia con el proyecto Correction.
Isa Carrillo (Guadalajara, 1982) es artista visual egresada de la Universidad de Guadalajara. Su obra se centra en aspectos ocultos del inconsciente colectivo, explorando mancias y pseudociencias desde una perspectiva crítica y empírica. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado un lenguaje que combina memoria, subconsciente y lo invisible, construyendo puentes entre experiencia personal y representación simbólica.
Ha expuesto de forma individual y colectiva en espacios como el Museo Cabañas, Museo Taller Clemente Orozco, Museo de Arte de Zapopan, Museo de la Ciudad de Guadalajara, Museo Raúl Anguiano, y el Centro Cultural de Arte Moderno (Guadalajara); así como en el Museo Diego Rivera Anahuacalli (Ciudad de México), Museo de los Pintores Oaxaqueños (Oaxaca), y en sedes internacionales como la Giorgio Cini Foundation (Venecia), Cuadro22 (Suiza), Bass Museum of Art (Miami), Pomona College Art Museum (Claremont, EE.UU.), Bessarabska Square (Kiev), OVAL Lingotto Fiere (Turín) y Bass & Baum Gallery (Londres).
Mariana Castillo Deball (Ciudad de México, 1975) es artista visual egresada de la UNAM, con estudios de posgrado en la Jan Van Eyck Akademie de Maastricht, Países Bajos. Su práctica artística adopta un enfoque caleidoscópico que cruza disciplinas como la arqueología, la ciencia y las artes visuales, explorando cómo éstas construyen narrativas sobre el mundo. A través de instalaciones, performances, esculturas y proyectos editoriales, investiga el papel de los objetos en la formación de la identidad y la historia, colaborando con museos, archivos y colecciones etnográficas.
Ha sido beneficiaria de múltiples programas de apoyo, entre ellos: Jóvenes Creadores del FONCA (2009–2010), Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Jalisco (2013–2014), PROYECTA Jalisco (2014), PAOS Residencias (2015), PECDA Jalisco (2015–2016), y el fondo MUAC–SOMA (2020). Fue integrante del Sistema Nacional de Creadores (FONCA).
Ha realizado residencias artísticas en Izolyatsia, Ucrania (2017); Nave Oporto, Madrid y BAR Project, Barcelona (2018); Casa Wabi, Oaxaca y Cuadro22, Suiza (2021); Unlisted Projects en el Museum of Human Achievements, Austin, Texas (2022); y CCA Contemporary Art, Andratx, Mallorca (2023).
Desde 2015 es profesora de escultura en la Academia de Arte de Münster, Alemania. Su obra se articula como un proceso de investigación transdisciplinar, donde el intercambio de conocimiento se convierte en una experiencia transformadora tanto para la artista como para las comunidades con las que colabora.
Andy Medina (Oaxaca, 1993) es artista, curador y gestor cultural. Ingresó en 2011 a la segunda generación de las Clínicas para la Especialización en Arte Contemporáneo (CEACO) en La Curtiduría, Oaxaca, y formó parte de las dos primeras generaciones del Campamento Audiovisual Itinerante (CAI) en Guelatao (2012–2013). Es egresado de la licenciatura en Artes Plásticas y Visuales por la ENPEG “La Esmeralda” (Ciudad de México, 2012–2016). Fue becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA en 2021.
Entre sus exposiciones más relevantes se encuentran Santuario/Rendir tributo (Biquini Wax EPS, 2017), Índex (Ladrón Galería, 2018), Manual códice vial (MACO, 2019), Los huecos del agua (Museo Universitario del Chopo, 2019), ¿Quién mató al rey? (No-nada Galería, Oaxaca, 2020), Superarme (Galería Galería, CDMX, 2020), Chicanixtlán (Salón Silicón, CDMX, 2021) y Loma Bonita (kurimanzutto, CDMX, 2021).
Actualmente es miembro activo y codirector del colectivo y espacio expositivo Yope Projects Space y del proyecto Trinidad, en Oaxaca.
Mabel Palacín (Barcelona, 1965) es artista visual cuyo trabajo se centra en la investigación de las imágenes y su papel en la construcción de la realidad. Explora la fotografía en todas sus mutaciones —cine, video y medios digitales— entendiendo las imágenes como agentes teóricos capaces de generar modelos para comprender el paisaje visual contemporáneo. Sus proyectos desarrollan narrativas visuales autónomas que dialogan con el espacio y apelan activamente al espectador como parte del contenido.
En 2011 representó a Cataluña y las Islas Baleares en la 54ª Bienal de Venecia con la obra 180 grados. Su trabajo se ha presentado en exposiciones individuales y colectivas en espacios como Ángels Barcelona, Frankfurter Kunstverein y L.A. Galerie (Frankfurt), Centre d’Art Santa Mònica (Barcelona), The Agency (Londres), Norwich Gallery, Transmission Gallery (Glasgow), Kwangju Biennale (Corea del Sur), Artothek (Colonia), Taipei Fine Arts Museum (Taiwán), Kunstbunker Tumulka (Múnich), Bolsky Gallery (Los Ángeles), Galerie Anne de Villepoix (París), Künstlerhaus Bethanien (Berlín), MUA (Alicante), Museu Coleção Berardo (Lisboa), Salvador Dalí Museum (Florida), Frac Languedoc-Roussillon (Montpellier), MACBA (Barcelona), O.K. Center (Linz), Casino Luxembourg, Artium (Vitoria) y el Reykjavik Art Museum, entre otros.
Actualmente vive y trabaja entre Barcelona y Milán.
Gonzalo Elvira (La Patagonia, Argentina, 1971) es artista visual. Desde 2000 vive y trabaja en Barcelona. Su práctica se centra en proyectos de investigación histórica y social de largo aliento, que desarrolla a través del dibujo y la instalación. Se formó en la Escuela de Artes Visuales Antonio Berni en Buenos Aires.
Ha expuesto individual y colectivamente en museos, centros culturales y galerías en España, Argentina, Andorra, Colombia, Brasil, Italia, Polonia y Alemania. Entre sus exposiciones individuales destacan Idilio (Rocío Santa Cruz, Barcelona, 2019), Bauhaus 1919, modelo para armar (Galería Siboney, Santander, 2019), El psicoanálisis te ayudará (Centro Cultural Borges, Buenos Aires, 2019), Assaig S.T. 1909–1919 (Parque de la Memoria, Buenos Aires, 2019), y 12 Canciones Concretas (Rodriguez Gallery, Poznan, 2018), en colaboración con el músico Grösso. También presentó 155. La balada de Simón (La Virreina, Barcelona, 2017) y Lo imborrable, una intervención en el puente de Deusto en Bilbao.
En el ámbito colectivo ha participado en proyectos como la Bienal del Mercosur (Porto Alegre, 2020), Nunca real / Siempre verdadero (Azkuna Zentroa, Bilbao, 2019), Oscar Masotta. La teoría como acción (MACBA, 2018), La no comunidad (CentroCentro, Madrid, 2018), Forjando el espacio (MPM, Málaga, 2016) y Mind Maps (Galería Paula Alonso, Madrid, 2015). Ha colaborado en ferias como Swab, JustMad, ArtLibris y Parte Brasil, y ha exhibido en instituciones como el Museo de la Memoria y el Exilio (La Jonquera), CCCB y el Museo Picasso de Barcelona.
Desde 2007 es docente en Obradoor (taller-laboratorio de arte). En 2013 fundó junto a Rafa Castañer el proyecto pedagógico GR, con el que ha participado en el CCCB, la Fundació Miró, el festival Big Draw y Art Madrid, entre otros espacios.
Dora García (Valladolid, 1965) es artista visual. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Salamanca y en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Ámsterdam. Tras vivir en Bruselas, reside entre Barcelona y Oslo, donde actualmente es profesora en la Academia Nacional de las Artes.
Aunque comenzó en el campo de la escultura, su obra pronto se expandió hacia la performance, el vídeo, el texto, los medios electrónicos y redes sociales. Su práctica artística, fundamentada en la investigación, invita a la participación activa del espectador, al que interpela con preguntas éticas y posicionamientos críticos. García explora temas como la antipsiquiatría, los movimientos antiinstitucionales, el rol del artista como outsider y los procesos culturales de producción de sentido.
Ha participado en numerosas plataformas internacionales como Manifesta (1998), la Bienal de Estambul (2003), Münster Sculpture Projects (2007), la Bienal de Sídney (2008), Documenta (Kassel, 2012) y representó a España en la Bienal de Venecia (2011).
Su trabajo se ha mostrado en instituciones como el MACBA (Barcelona), Museo Reina Sofía (Madrid), MUSAC (León), SMAK (Gante), GfZK (Leipzig), CA2M (Madrid), IVAM (Valencia) y CGAC (Santiago de Compostela), entre otros. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como el Museo Reina Sofía, la Fundació “la Caixa”, el Centre national des arts plastiques (París), Henry Art Foundation (Seattle), MUSAC (León), los FRACs de Metz, Dijon, Montpellier y París, y el MACBA.
Verónica Gerber Bicecci (Ciudad de México, 1981) es artista visual y escritora. Su práctica se sitúa en el cruce entre la palabra y la imagen, exploración que inició con la serie Diagramas de silencio, una exhumación visual basada en la puntuación de distintos poemas sobre el silencio. Esta línea de trabajo también se manifiesta en Mudanza, una colección de ensayos dedicada a escritores que abandonaron la literatura convencional para adentrarse en el arte visual.
Recientemente presentó la exposición individual ¿Quiénes son esas de allá abajo?, curada por Lorena Peña Brito en Impronta Casa Editora, y publicó el texto “Las cosas que escriben” en la antología Un gesto de tiempo, editada por Gris Tormenta.
Además, codirige el Taller Diagonal junto a Guillermo Espinosa Estrada, un espacio permanente de acompañamiento para procesos de escritura diversos. Vive y trabaja en la Ciudad de México.
Jorge Méndez Blake (Guadalajara, Jalisco, 1974) es un artista cuya obra explora las conexiones entre la literatura, el arte y la arquitectura. Su trabajo fusiona distintos elementos históricos y geográficos, invitando a nuevas interpretaciones sobre el papel del lenguaje y la historia en nuestra cultura contemporánea.
Ha presentado exposiciones individuales en importantes museos como el Palm Springs Art Museum, Marfa Contemporary, el Museum of Contemporary Art Denver y el Museum of Latin American Art en Los Ángeles, todos en Estados Unidos; Kunsthalle Mulhouse en Francia; Museo D’Arte Contemporanea Villa Croce en Ginebra, Italia; y MUAC, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Museo Tamayo, Sala de Arte Público Siqueiros y Museo de Arte Moderno en México.
Su obra ha sido incluida en exposiciones colectivas en instituciones como el Musée d’Art Moderne, La Maison Rouge y el Musée Mac/Val en París; Ballroom Marfa, el Bass Museum de Miami, el Aspen Art Museum, y el Artspace de New Haven en EE.UU.; en la Fundación PROA de Buenos Aires, la Fundación Marcelino Botín de Santander y La Casa Encendida de Madrid, entre otros espacios internacionales.
En México, ha expuesto en el Museo Jumex, el Museo de Arte Carrillo Gil, el MUNAL y el Museo del Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, así como en el Museo Cabañas y el Museo de Arte de Zapopan en Guadalajara, entre otros.
Méndez Blake ha formado parte de importantes bienales y festivales internacionales, como la XIII Bienal de la Habana (2019), la Trienal de la National Gallery of Victoria en Australia (2017), la 13.ª Bienal de Estambul (2013), y el proyecto Saber Desconocer en el Museo de Antioquia en Medellín, Colombia (2013).
En 2012, fue galardonado con la beca del programa Cisneros Fontanals Art Foundation en Miami. Actualmente, es miembro del Sistema Nacional de Creadores de México.
Teresa Solar (Madrid, 1985) es artista. Su obra parte de un imaginario basado en la morfología del habla y, por extensión, del pensamiento. Conceptos como resistencia, aislamiento y estanqueidad, conectividad e inmunidad se desarrollan en una producción multidisciplinar centrada en la escultura y el dibujo y basada en la creación de narraciones multicapa. Garganta, poro, escotilla, lengua, tubería, sus piezas se pueblan con connotaciones de conectividad y flujo. La suya es una práctica llena de palabras y llena de órganos que crean palabras: un trabajo locuaz que duda sobre sí mismo pero que sin embargo quiere hablar. En los últimos años Solar viene desarrollando instalaciones de gran formato en las que familias de esculturas hermanas varían en forma y tamaño, creando ecosistemas de pensamiento complejos. La reflexión sobre los grandes relatos de progreso de la sociedad contemporánea se contrapone a micro narraciones que tienen que ver con su propio cuerpo: lesiones deportivas, tartamudeos y tránsitos diarios por su ciudad son parte fundamental de la esfera expresiva de la creadora. La artista ocupa el espacio con piezas de muy diferente tamaño y materialidad: barro, objetos encontrados y símbolos humanos conviven en su trabajo. Teresa Solar aborda estas relaciones desde una sensibilidad orgánica, como si se tratara de funciones corporales, pero también acentúa el complejo sistema de relaciones del mundo industrial, donde constantemente se producen formas de existencia híbridas que combinan propiedades orgánicas y sintéticas. El trabajo con cerámica es especialmente relevante en su producción, la artista interpreta el barro como metáfora de la relación del ser humano con el manto geológico sobre el que se asientan nuestras civilizaciones y crea, a través de las cualidades aislantes intrínsecas del material, sistemas cavernosos con los que contar relatos de autoprotección y aislamiento. De hecho, en contraste con los exteriores crudos y orgánicos, los interiores tienen un acabado delicado y están revestidos con colores brillantes que recuerdan a los monos de trabajo de los mineros o los aerosoles utilizados para marcar nuevos túneles en la oscuridad subterránea. Abrió su primera retrospectiva, Sueño Máquina de Pájaro, en el MACBA (Barcelona), acompañada del reciente lanzamiento de su primer libro monográfico. Esta exposición es el segundo capítulo de su muestra individual en el CA2M (Madrid), Pájaro sueño de máquina, y viajará a la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turín) durante 2025. Entre sus proyectos más recientes se encuentran Birth of Islands en The High Line NYC (Nueva York), y participó en la muestra colectiva When Forms Come Alive en la Hayward Gallery de Londres (2024). Participó en la 59ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, comisariada por Cecilia Alemani (2022). En 2021 participó en la Bienal de Liverpool, comisariada por Manuela Moscoso, con una instalación de arte público en Exchange Flags titulada «Osteoclast». También participó en KölnSkulptur #9 comisariada por Chus Martínez en Colonia (2017-2019). Ha participado en exposiciones colectivas en la Hayward Gallery de Londres, Reino Unido; Fundación Pinchuk, Kiev; Museo de Arte Abstracto, Cuenca, España; Centro Conde Duque, Madrid; Casal Solleric, Palma de Mallorca, España; Museo Patio Herreriano, Valladolid, España; CA2M, Madrid; Haus der Kunst, Münich, Fundación Marcelino Botín, Santander; Maxxi, Roma; General Public de Berlín; Kunstverein München; y La Casa Encendida, Madrid.
Irene Solà (Malla, 1990) es artista y escritora. Es autora de Canto yo y la montaña baila (Premio Libros Anagrama de Novela), obra que ha sido traducida a más de una veintena de idiomas, incluyendo castellano, inglés, francés, alemán e italiano. Esta novela ha sido aclamada por su polifonía y su capacidad para enamorar al lector de la naturaleza, la imaginación, las palabras y la vida. La escritora Mariana Enriquez ha destacado su belleza atemporal, afirmando: «Hay tanta belleza en esta maravillosa novela polifónica que cada página te enamora de nuevo».
Su primer poemario, Bestia (Premio de Poesía Amadeu Oller; Galerada, 2012), ha sido publicado en edición bilingüe castellano-catalán por La Bella Varsovia, además de ser traducido al inglés y al italiano. Su obra también incluye la novela Los diques (La Otra Editorial, 2018), que fue publicada en castellano por Anagrama con el mismo título y que ganó el Premio Documenta 2017. La crítica ha elogiado la obra por su desbordante y luminosa escritura, destacando su madurez y dispersión controlada, como lo señaló Nadal Suau en El Cultural: «Hay un montón de buenas razones para disfrutar con estas páginas, en parte desbordadas y en parte serenas, dispersas a conciencia, luminosas, maduras».
Los Torreznos son un dúo de exploración en el ámbito del arte de acción, compuesto por Rafael Lamata (Valencia, 1959) y Jaime Vallaure (Asturias, 1965), quienes trabajan conjuntamente en Madrid desde 1999. Su obra actúa como una herramienta de comunicación que aborda lo social, lo político y las costumbres más arraigadas. A través de su trabajo, Los Torreznos traducen temas cotidianos al lenguaje contemporáneo, centrándose en la búsqueda y experimentación expresiva mediante formas simples como el gesto, el lenguaje y la presencia. Estas formas, accesibles en principio a cualquier persona, no están destinadas exclusivamente a especialistas en los lenguajes del arte contemporáneo.
El humor y la reflexión sobre lo cotidiano son ejes centrales en su trabajo, abordando temas que cualquiera puede experimentar en su vida diaria. Su obra se manifiesta tanto en formatos presenciales (performance o arte de acción) como en formatos multimedia (vídeo y piezas sonoras).
Antes de la existencia formal de Los Torreznos, Lamata y Vallaure ya habían trabajado juntos en intervenciones artísticas. Ambos fueron miembros fundadores del grupo de creación experimental Circo Interior Bruto y Zona de Acción Temporal (ZAT) (1997-1998). Cada uno de ellos, previamente, había desarrollado su propio trabajo artístico. Han exhibido su obra en diversos lugares y festivales internacionales. En 2014, presentaron su exposición individual Cuatrocientos setenta y tres millones trescientos cincuenta y tres mil ochocientos noventa segundos en el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, comisariada por Ferran Barenblit.
consonni (1996) es una editorial interdependiente con un espacio cultural ubicado en el barrio bilbaíno de San Francisco. Desde su creación en 1996, su misión ha sido producir cultura crítica, apostando por la palabra escrita y también por susurrada, oída, silenciada y declamada; por la palabra hecha acción, hecha cuerpo. Operando desde el campo expandido del arte, la literatura, la radio y la educación, consonni busca afectar y ser afectada por el mundo que habita.
Escrita en minúscula y en constante mutación, consonni es una criatura andrógina y policéfala, con los feminismos y la escucha como superpoderes. La editorial apuesta por las distancias cortas, apoyándose en la economía social y solidaria y en una comunidad de proximidad. Su propósito es amplificar talento creativo tanto local como internacional.
En documenta fifteen, consonni se involucra en el concepto de trabajo colectivo, inspirándose en el sistema lumbung — un método de recogida y almacenamiento colectivo de arroz utilizado por comunidades indonesias, que permite disponer del arroz como recurso compartido. De esta manera, la edición de documenta aborda las heridas actuales, especialmente aquellas derivadas del colonialismo, el capitalismo y las estructuras patriarcales, confrontándolas con modelos de colaboración que permitan una visión distinta del mundo.
consonni participa en documenta de forma diversa y múltiple, llevando su enfoque habitual de intersección entre arte y literatura. Como editora artística de las guías de la muestra internacional, trabaja junto con el equipo comisarial de documenta para formular el concepto que estructura los dos catálogos principales de la exposición. Uno de ellos, Handbook, es una guía general para conocer el concepto de la exposición, presentando aspectos centrales y a los artistas y colectivos participantes. El otro, Walking, Finding, Sharing, es un libro ilustrado dirigido a familias y colectivos, con el propósito de soñar colectivamente.
La editorial cuenta con la colaboración de profesionales destacados en ilustración, escritura e imaginación, como la editorial Rotopol de Kassel (Julia Kluge, Nadine Redlich, Malwine Stauss, Carmen José y Rita Fürstenau); de Portugal, Isabel Minhós Martins y Bernardo P. Carvalho; de Argentina, Jules Inés Mamone (Femimutancia); de México, Verónica Gerber Bicecci; y de Indonesia, Innosanto Nagara.
Organizamos con:
Museo de Arte de Zapopan (MAZ) y Acción Cultural Española (AC/E)
