Una voz / Una imagen invita a un grupo de artistas a que elijan una imagen que ya exista en el mundo, para que realicen una lectura y una reflexión. Se trata de hacer que el trabajo artístico / expositivo incorpore el dispositivo crítico y/o que el dispositivo crítico constituya el ser mismo de la obra. En ese sentido se trata del ejercicio del ser en el arte.

La exposición se articula alrededor de una serie de imágenes proyectadas acompañadas por el pensamiento de cada artista a través de su voz. En la reunión de dos formas phantasma, como son la imagen y la  voz, se establece una tensión sutil entre la materialización y la des/materialización de la obra de arte.

Lo que se presenta aquí es lo que usualmente no se ve: el pensamiento del artista.

La exposición se presenta por primera vez en México y a la selección original conformada por Ignasi Aballi, Ángela Bonadies, Gonzalo Elvira, Esther Ferrer, Pedro G. Romero, Dora García, Narelle Jubelin, Eva Lootz, Antoni Muntadas, Javier Peñafiel, Álvaro Perdices, Paloma Polo e Isidoro Valcárcel Medina, se suma el artista mexicano Martín Soto Climent.

La muestra Una voz / Una imagen surge del deseo de explorar distintos formatos para el análisis de las imágenes de nuestro tiempo. Por una parte, la proyección nos permite detenernos en la superficie de la imagen, viajar e interactuar con ella; mientras que el sonido nos convoca a sumergirnos en la voz, que es uno de los rasgos distintivos y únicos de cada persona.

Se trata de una exposición inusual en la que no hay objetos. La obra es en esencia, el pensamiento audible de cada artista a través de la voz.  Es ella la que realmente “habla” y junto con la reflexión nos proporciona una gran cantidad de información: género, edad, lugar de procedencia.

Es curioso que siendo algo inmaterial las voces sean las que permitan que el artista se haga presente y de alguna manera se “materialice” en una producción que carece de materialidad.

Con este trabajo se ha buscado implicar a los artistas en la lectura y la reflexión sobre las imágenes que nos rodean; dar herramientas de reflexión a los innumerables lectores de imágenes en los que nos hemos convertido. Ya que el impulso crítico del artista como un ser comprometido con la representación puede y debe activar el del espectador con el fin de abrir e inspirar otras maneras de acercarse, leer, pensar y reflexionar acerca de las imágenes de nuestro tiempo.

Una voz / Una imagen plantea el arte como un espacio de creación y reflexión comprometido con los desafíos que enfrentamos en la construcción del mundo y de sus múltiples reflejos en los que estamos inexorablemente implicados.

María Virginia Jaua

Semblanzas

Ignasi Aballí (Barcelona, España, 1958) traza en su obra las huellas del paso del tiempo mediante materiales no convencionales como polvo, corrosión, recortes de periódicos, jirones de billetes o líquido corrector. Su trabajo, caracterizado por una delicada poesía visual, aborda lo fugaz y lo efímero con un sentido obsesivo pero no sentimental. Aunque enraizado en el arte conceptual, su obra no se desentiende del objeto, destacando por su uso del color y la materialidad. A lo largo de su carrera ha explorado la obsolescencia, la ausencia, la desaparición y la invisibilidad, integrando el vacío como un agente activo que sugiere más de lo que declara.

Ángela Bonadies (Caracas, Venezuela, 1970) Es una artista cuyo trabajo interroga sobre la duración y la memoria: lo que aguanta, lo que se desvanece, lo que está “fuera de lugar”. Entre sus exposiciones se encuentran: Antípodas, Galería Abra Caracas, 2024; Cine Ciego, La Capella, Barcelona, 2024; En las entrañas de la bestia, La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona, 2022; Bienal de Cuenca 2020; Premio Ciutat de Palma 2020; La pesca, Galería Freijo, Madrid, 2019; Cruzando la línea, Cinemateca Distrital de Bogotá, 2019; Santa Fe SITELines 2018 Biennial: New Perspectives on Art of the Americas; The Matter of Photography in the Americas, Cantor Arts Center, Stanford University, 2018; A Universal History of Infamy, LACMA, Los Angeles y 18th Street Arts Center, Santa Monica, 2017; West Side, galería Abra Caracas, 2016; La bestia es el soberano, WKV Stuttgart y MACBA, 2015; Global Activism, ZKM, Karlsruhe, 2013. Residencias y becas: Beca Barcelona Crea 2024; Residencia Artística 2021 en Tabakalera, Donostia-San Sebastián; Beca 2018 MAEC-AECID, Real Academia de España en Roma; Artist Residency Program, Goethe-Institut Salvador-Bahia/Vila Sul, 2017; Beca Latinoamericana Experimenta-Sur 2017, Bogotá; Residency Award 2016 en 18th Street Arts Center, Santa Monica, USA, otorgada por el LACMA.

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las actividades del grupo ZAJ (con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo) en 1967 hasta su disolución en 1996, y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio. La performance es el hilo conductor de toda su obra y representa para ella un momento donde intervienen a la vez el  tiempo, el espacio y la presencia: «la acción consiste en salir del cuadro, de la bidimensionalidad, para entrar en el espacio, y utilizar tu cuerpo como sujeto de un trabajo simple y directo”. A partir de mediados de los años 70 volvió a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o Pi, objetos, etcétera. Entre estos trabajos destacan las series de Autorretratos (en proceso desde 1981), Números primos (desarrollada a través de diversos formatos espacio-temporales), sus maquetas de proyectos espaciales o instalaciones, o la de Juguetes educativos (década de 1980). Su obra se inscribe en la corriente de arte minimalista y conceptual, iniciada en la década de los 60 del siglo XX, que tiene a Stéphane Mallarmé, Georges Perec, o Fluxus como referentes, así como en los feminismos de aquel momento. También ha colaborado con otros artistas/músicos como John Cage o Tom Johnson. En paralelo a su práctica artística, cabe destacar su importante labor teórica, desarrollada tanto en sus colaboraciones periodísticas para diversas publicaciones como en cursos y conferencias ofrecidas en universidades europeas y americanas.

Dora García (Valladolid, España, 1965) es una artista, profesora e investigadora que vive y trabaja en Barcelona y Oslo. Como artista, ha participado en numerosas exposiciones internacionales de arte, entre ellas Münster Skulptur Projekte (2007), Bienal de Venecia (2011, 2013, 2015), Bienal de Sídney (2008), Bienal de São Paulo (2010), Documenta 13 (2012), Bienal de Gwangju (2016), osloBIENNALEN, Art Encounters Timisoara y Trienal de AICHI (2019). En 2021 desarrolló proyectos en la Fotogalleriet Oslo, Netwerk Aalst, el Mattatoio di Roma y el Festival Colomboskope de Sri Lanka. Su trabajo es en gran medida performativo y aborda cuestiones relacionadas con la comunidad y la individualidad en la sociedad contemporánea, explorando el potencial político de las posiciones marginales, rindiendo homenaje a personajes excéntricos y a antihéroes, que a menudo han sido el centro de sus proyectos cinematográficos, como The Deviant Majority (2010), The Joycean Society (2013) y Segunda Vez (2018).

Pedro G. Romero (Aracena, 1964), artista, director de cine, flamenco por afición, comisario y curador, documentalista o antropólogo, ensayista en el sentido amplio de la palabra. Es autor, entre otros trabajos, de Las correspondencias (2010),  Los países  (2013), El ojo partido (2016) y Wittgenstein, los gitanos y los flamencos (2021) o D de deuda (2025). Ha dirigido los filmes Nueve Sevillas (2019), Siete jereles (2020), de caballos y guitarras (2023) y la serie Lo que va por debajo (2024). Ha realizado los aparatos de artistas como Israel Galván, Niño de Elche, Rocío Márquez, Inés Bacán o Perrate.  Ha sido artista residente en la Academia de España en Roma, participante en documenta 14 Atenas/Kassel (2017), en la Bienal de Venecia (2009) y en la Bienal de Sao Paulo (2014 ), y es director de la Plataforma Independiente de Estudios Flamencos Modernos y Contemporáneos (pie.fmc). El Museo Reina Sofía de Madrid expuso y publicó, en 2021, una antología sobre su obra bajo el título de «Máquinas de trovar. Índices, dispositivos, aparatos». En 2024 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.  Vive, literalmente, entre Barcelona y Sevilla.

Narelle Jubelin (Sidney, 1960, vive y trabaja en Madrid) La práctica investigadora dirige nuestra atención hacia fragmentos de historias más amplias. Su trabajo proporciona evidencia de interrelaciones complejas entre las historias alternativamente distópicas y utópicas del imperialismo y el modernismo, demostrando que en las cosas pequeñas se encuentran las herramientas analíticas para una comprensión más profunda de los discursos dominantes. En el caso de los ideales del modernismo, los campos de impacto vital del diseño de objetos y la arquitectura ocupan su trabajo, a menudo vistos a través de la lente de lo social. Esta sensación de momentos tomados de escenarios más amplios se enfatiza su insistencia en la miniatura como formato pictórico y ética para la producción de objetos. Estos pensamientos a su vez alimentan las observaciones del flujo de los sistemas económicos dentro de los cuales circulan los objetos. Su trabajo es una conversación entre la grandiosidad y la humildad motivada por el poder de la miniatura que en sus manos a menudo habita y marca instalaciones arquitectónicas de mayor escala, los objetos hechos por ella misma se exhiben con frecuencia junto a otros ready-made históricamente incrustados.

Eva Lootz (Viena, 1940 vive y trabaja en Madrid). Su obra, se ha caracterizado por utilizar un marcado interés por la interacción entre materia y lenguaje. El uso de materiales en sus piezas como el mercurio, el carbón, la arena y la madera refieren a la memoria, al tiempo y a los problemas esenciales del hombre. Es muy recurrente que realice instalaciones, pero también es conocida por sus esculturas, dibujos, grabados, fotografía, sonido y video. En 1994 obtuvo el Premio Nacional de las Artes Plásticas, en 2009 Premio Tomás Francisco Prieto, Real Casa de la Moneda, en 2013 Premio Arte y Mecenazgo 2013. Fundación Arte y Mecenazgo de La Caixa y en 2014 Premio José González de la Peña, Barón de Forna, concedido por la Real Academia de San Fernando. En 2024 legó parte de su obra al Museo Centro de Arte Reina Sofía, donde en el mismo año realizó la exposición titulada Hacer como quien dice ¿y esto qué es? Así mismo, expuso en la Sala Alcalá 31 de Madrid una muestra con el título Si aún quieres ver algo… Sus obras se encuentran en numerosas instituciones, museos y colecciones públicas y privadas como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Centro Galego de Arte Contemporánea, Biblioteca Nacional, Colección Unión Fenosa, además de numerosas exposiciones colectivas tanto nacionales como internacionales y también en repetidas ocasiones en ferias de arte internacionales como ARCO, FIA CARACAS, Art Cologne, ART BASEL, Basilea; Kunst Rai, Ámsterdam; Art L.A., Los Angeles; Art Frankfurt; ART CHICAGO, etc.

Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) trabaja en su obra temas sociales, políticos y de comunicación, la relación entre el espacio público y privado dentro de un marco social, e investiga los canales de información y la forma en que son utilizados para censurar información o promulgar ideas. Trabaja proyectos en distintos medios como la fotografía, vídeo, publicaciones, internet e instalaciones multi-media. Desde el año 1995 Muntadas ha venido agrupando una serie de trabajos y proyectos bajo la denominación On Translation. Son obras de contenido, dimensiones y materiales muy diversos, y todas giran en torno a una experiencia personal del autor, a lo largo de más de cuarenta años de actividad como artista en numerosos países. Al agrupar las obras bajo este epígrafe, Muntadas las ubica en el interior de un cuerpo de experiencias y preocupaciones concretas sobre la comunicación, la cultura de nuestro tiempo y el papel del artista y del arte en la sociedad contemporánea.

Javier Peñafiel (Zaragoza, 1964). Desde 1988, ha realizado exposiciones en bienales, galerías, espacios alternativos, salas de espera de consultas médicas, etc. de varios continentes. Tiene más de 20 publicaciones monográficas y textos de especialistas y críticos de arte, a lo largo de estas décadas, que permiten, no sólo un recorrido por su trabajo, sino por los contextos de estos años en las artes visuales. El trabajo de Javier es una intersección de dibujo, voz, vídeo, escritura y caligrafía que, muchas veces, escenifica en lo que denomina confedramas. Su obra está en muchas colecciones representativas. Ha escrito, producido y editado entre otros: Mera coincidencia, publicado por CGAC, Agenda de caducidad de los tiempos drásticos publicado por Bienal de Sao Paulo, Conquista básica, te vuelvo a pedir que te definas; CRU006, No todo tanto, Fine Arts Unternehmen,  Teatro dentífrico 2017, Colección AL, series y recientemente La esfinge te prefiere, Museo de Teruel, una selección de 25 de las más de 70 confedramas realizadas.

Álvaro Perdices (Madrid, 1971) Ha vivido durante casi veinte años en Los Ángeles y ha sido coordinador de exposiciones en el Museo del Prado de Madrid habiendo desarrollado en paralelo proyectos educativos, de comisariado y exposiciones para esta misma institución. Tras licenciarse en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, realizó un Master of Arts en California State University y un Master of Fine Arts en UCLA. En 2011 se instaló de nuevo en España y al poco presentó una amplia exposición de su trabajo en el EACC de Castellón, así como en la galería Casa sin fin de Cáceres. Su obra ha podido verse, además, de forma individual en espacios como La Casa Encendida de Madrid, Sin Duda Exhibitions de Los Ángeles, las galerías Espacio Mínimo y Marta Cervera de Madrid y la galería Casa sin fin de Cáceres y Madrid; y, de forma colectiva, en Katherine Brennan Gallery de Los Ángeles, The Luggage Store de San Francisco, el Instituto Cervantes de Miami, el Museo Mahmoud Kalhil de El Cairo, Unit 11 de Los Ángeles, el Yerba Buena Center for the Arts de San Francisco, CASA de Salamanca, la Fundación Marcelino Botín de Santander, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, el Museo de Nuoro (Cerdeña). Ha comisariado exposiciones de artistas para diversas instituciones como el Museo del Prado, Museo de Teruel, LACPS, o la Galería Soledad Lorenzo. Sus últimos proyectos individuales se han mostrado en el CA2M (Madrid) o el Museo EsBaluard de Mallorca. Su filmación nocturna de las salas y obras del Prado NEGRO y Luz, se presentó en muestras individuales en el mismo Museo Nacional del Prado, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao y en la National Gallery de Londres, entre otras muchas instituciones. En la actualidad se encuentra preparando una exposición individual que cubre treinta años de su trayectoria para el Palau de la Virreina en Barcelona, comisariada por Valentin Roma y otro proyecto para las salas del Banco de España en Madrid durante 2025. Su obra esta representada en colecciones públicas y privadas como: MNCARS ( Museo Reina Sofia), Madrid, Museo Nacional del Prado, Madrid, Banco de España, Madrid,  LACMA ( Los Angeles Museum of Art), Hammer Museum, Los Angeles, Museo CA2M, Madrid, ARTIUM, Vitoria, Fundación Helga de Alvear, Colección Calcego.

Paloma Polo (Madrid, 1983) es artista e investigadora independiente. Actualmente es becaria Fulbright acogida por el Center for Global Indigenous Issues and Environmental Justice, Syracuse University (Estado de Nueva York). Entre 2007 y 2009 fue becaria en la residencia artística De Ateliers, Ámsterdam, y en 2010 en Gasworks, Londres. En 2013 obtuvo una plaza como Visiting Research Fellow en el Centre for International Studies, University of the Philippines Diliman, en Manila, donde vivió durante los tres siguientes años. Entre 2016 y 2017 fue artista residente en la institución parisina Les Laboratoires D’Aubervilliers. En 2018 Polo fue premiada con el premio Ojo Crítico que otorga Radio Nacional de España: Radio Nacional de España- RNE en reconocimiento a su trayectoria artística. Ha sido becada por Mondriaan Funds, el Amsterdams Fonds voor de Kunst (AFK), el MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), Universidad Autónoma de Madrid–UAM, la Fundación la Caixa, la Fundación Botín, la Fundación BBVA o la Fundación Montemadrid entre otras instituciones. Ha recibido el IV Premio Internacional de Arte Joven de la Fundación María José Jove (A Coruña) o el Primer Premio del Certamen de Artes Visuales INJUVE (Madrid), entre otros. Ha expuesto su obra individualmente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Centro de Arte Dos de Mayo- CA2M (Madrid), Arts Catalyst (Londres), Galería Kurimanzutto (Ciudad de México), Casa Barragán (Ciudad de México), Frieze Art Fair (Londres), Montehermoso Cultural Center (Vitoria) y SKOR Foundation for Art and Public Domain (Amsterdam) entre otras instituciones y galerías. Su trabajo ha sido presentado en la Exposición Internacional de la 55a Bienal de Venecia, Turner Contemporary (Kent), Museo de Arte Carrillo Gil (México), High Line Art (Nueva York), Le Commun. Bâtiment d’art Contemporain (Ginebra), Frankfurter Kunstverein, Kunsthall Charlottenborg (Copenhague) Museo Stedelijk Hertogenbosch (Den Bosch), Museo Regional Celje, (Eslovenia), Museo Artium (Vitoria) o CGAC, Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Santiago de Compostela) o TEA – Tenerife Espacio de las Artes entre otros.

Martín Soto Climént (Ciudad de México, 1977, vive y trabaja en Tepoztlán Morelos). Es un artista reconocido por su manipulación surrealista de imágenes y objetos. Su práctica se refiere a las formas del cuerpo y la psicología del deseo integrada dentro de una economía de consumo. Sus obras a menudo tienen la humilde calidad del «ready-made», parecen ser conjuntos frágiles que exploran problemas de temporalidad, deseo, descomposición y marginalidad. Su obra ha sido compilada por Giorgia Von Albertini en la publicación Martín Soto Climent, editada por Mousse en 2021. Entre sus exposiciones individuales destacan: «Xochitlametzin» en el MMAC Museo Morelense de Arte Contemporáneo 2025, «El sendero del poeta» Museo de la Ciudad de México 2023. «Under the shadow of an invisible thread» Hessel Museum of Art, Hudson, EE. UU. 2019, «La bella durmiente» Museo Universitario del Chopo México 2016; Museo Pietro Canonica Roma;  «Frenetic Gossamer» Palais de Tokio París 2016; «The equation of desire» Kunsthalle Wintherthur, Suiza 2012;  El Eco Museo Experimental, Ciudad de México, México;  New Jersey Musuem of Contemporary Art, EE. UU.;  y el Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México. Sus obras están incluidas en numerosas colecciones, como el Museo de Arte de Cleveland, Ohio, EE. UU.;  el Museo de Hessel, Annandale-on-Hudson, Nueva York, EE. UU.; Colección Jumex, Ciudad de México, México;  La Fundación Loewe;  el MCA Chicago, EE. UU.;  el Museo de Migros, Zurich, Suiza;  El Moca, Miami, EE. UU.;  y la Fundación François Pinault.

Isidoro Valcárcel Medina 21-12-1.937-1.938-1.939-1.940-1.941-1.942-1.943-1.944-1.945-1.946-1.947-1.948-1.949-1.950-1.951-1.952-1.953- 1.954-1.955-1.956-1.957-1.958-1.959-1.960-1.961-1.962-1.963-1.964-1.965-1.966-1.967-1.968-1.969-1.970-1.971-1.972-1.973-1.974-1.975-1.976-1.977-1.978-1.979-1.980-1.981-1.982-1.983-1.984-1.985-1.986-1.987-1,988-1.989-1.990-1.991-1.992-1.993-1.994-1.995-1.996-1.977-1.998-1.999-2.000-2.001-2.002-2.003-2.004-2.005-2.006-2.007-2.008-2.009-2.010-2.011-2.012-2.013-2.014-2.015-2.016-2.017-2.018-2.019-2.020-2.021-2.022-2.023-2.024-2.025-

Gonzalo Elvira (Plaza Huincul, Patagonia, Argentina en 1971. Vive y trabaja en Barcelona desde el año 2000) Artista que viene realizando una larga y sostenida trayectoria desde su primer proyecto individual en el año 1993. Trabaja habitualmente en proyectos de investigación históricos-sociales de larga duración. Estudio en la escuela de artes visuales Antonio Berni en Buenos Aires. En los últimos cinco años ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas en España, Argentina, Portugal, Austria, Polonia, Hungría, Andorra, Colombia, Brasil, Italia, exhibiendo sus proyectos en diversos espacios institucionales y privados, museos, galerías, ferias y centros de investigación. En 2024 recibe el Premio Torres García- Ciutat de Mataró. En 2021 recibe el Premi Antoni Gelabert Ciutat de Palma, En el 2020 le otorgan la Beca Fundación Botín y recibe el premio GAC a la mejor exposición de artista en galería por Idilio en Rocío Santa Cruz.

Curadora:

Maria Virginia Jaua. Escritora, editora y curadora. Asesora y acompaña proyectos y procesos artísticos a través de El poder de la creación una serie de líneas de actuación con el objetivo de expandir y potenciar la conciencia y la libertad en el logro de los proyectos artísticos y creativos. Ha desarrollado diversos proyectos ligados al arte, la literatura, la filosofía y a la formación. Durante más de diez años fue editora de la revista de literaturas del mundo y exilio Líneas de fuga de la Casa Refugio Citlaltépetl, como parte de la Red Internacional de Casas Refugio para escritores perseguidos (ICORN por sus siglas en inglés). Fue jefe de redacción de la revista Estudios Visuales (Cendeac) y del 2008 al 2016 dirigió la revista de teoría, crítica y análisis cultural Salonkritik. Ese año fundó y dirigió la revista de análisis y cultura visual Campo de relámpagos hasta 2022. Idea de la ceniza (Periférica, 2015) es su primera novela. Entre otros libros ha publicado El cristal se venga –textos, artículos e iluminaciones de José Luis Brea– (Fundación Jumex- RM) y México: ensayo de un mito (Iberdrola, 2016), reconocido en 2017 entre los mejores 50 libros publicados ese año, por AIGA, Nueva York. Más tarde publicó 3_ERAS (Editorial Metales Pesados, Santiago de Chile y Museo Centro de Arte 2 de Mayo de Madrid, 2019), guion del teórico José Luis Brea basado en Las tres eras de la imagen (Akal, 2010) presentado junto con el ensayo fílmico que Jaua adaptó y dirigió. Ha realizado diversas exposiciones como Una voz / una imagen. Proyecto que labora entorno a la mirada y el pensamiento de los artistas sobre la producción de imaginarios contemporáneos (Espai d’art Contemporani de Castelló en 2022, Sala de Bóvedas de Condeduque, Madrid en 2022, CCEMX, 2025); Espejo y Reino / Ornamento y Estado, con el artista Álvaro Perdices una instalación sobre las relaciones entre arte, poder y archivo a partir de una re-escenificación del Salón de Reinos, ex Museo del Ejército, un edificio emblemático de Madrid que se sumará a los espacios expositivos del Museo Nacional del Prado, (Museo CA2M, Madrid 2022); El dorado de la utopía al mito contemporáneo, una reelaboración crítica del mito fundacional americano del s.XVI desde el arte contemporáneo en el Museo Amparo de Puebla (Puebla de los Ángeles, 2024-2025). Diariamente comparte conocimiento / sabiduría / reflexiones acerca de los procesos de creación: https://mvjaua.eo.page/4vwz4