Esto es lo verdadero | Próxima inauguración

Una exposición curada por Adonay Bermúdez

Fecha

Martes a domingos. Del 17 de julio al 3 de noviembre de 2024.

Horario

De martes a sábado de 11:00 a 21:00 y domingos de 10:00 a 16:00

Hace 200 años, Francisco de Goya, conmovido por las atrocidades de la Guerra de la Independencia Española (1808-1814), llevó a cabo 82 grabados que tituló Los desastres de la guerra. A través del aguafuerte, el artista presenta toda una amalgama de escenarios donde refleja y reflexiona sobre violencia, violación, desplazamientos forzados, represión política o muerte. Goya zarandea al espectador y le muestra toda una serie de consecuencias de un conflicto y su impacto en la propia sociedad, un posicionamiento propio de la denuncia pública y del compromiso ciudadano. Tal y como señaló la filósofa y ensayista estadounidense Susan Sontag: Las imágenes de Goya son una síntesis. Su pretensión: sucedieron cosas como estas.1

Destaca, sin duda, su preocupación por centrarse en las víctimas, algo bastante inusual en la iconografía bélica de la época. El público estaba y está plenamente acostumbrado a deleitarse con representaciones de los vencedores donde la presencia de los vencidos –si es que aparecen- pasa a un segundo plano. Goya omite la heroicidad y el triunfo, poniendo el foco en el dolor y en la injusticia, una necesaria y atemporal reflexión sobre la condición humana y la brutalidad inherente a los conflictos bélicos.

De entre el acervo de estampas sería oportuno subrayar precisamente la última –titulada Esto es lo verdadero-, la única que ofrece serenidad y esperanza. El artista propone una escena completamente amable con personajes lozanos y elementos propios de la labranza. Habla de abundancia, de futuro y, especialmente si tenemos en cuenta los grabados anteriores, de cambio. Gracias a la verdad –lo verdadero- el pueblo es capaz de transformar la realidad, de proponer una alternativa que le permita ser un poco más libre.

Es, pues, de suma importancia para la comprensión del fenómeno revolucionario en los tiempos modernos no olvidar que la idea de libertad debe coincidir con la experiencia de un nuevo origen.

Esto es lo verdadero propone un cúmulo de lecturas paralelas de relatos históricos oficiales y, con ello, cuestiona y lapida las estructuras del conocimiento legitimado, aparta esa memoria mecánica que es generada por repetición de la que tanto disertó el filósofo francés Henri Bergson3 , reevalúa los conceptos de vencedor/a y vencido/a, evidencia el poder de la resistencia ciudadana y propone una reescritura de la propia historia.

-Adonay Bermúdez

  1. Sontag, Susan: Ante el dolor de los demás. Penguin Random House Grupo Editorial. Barcelona, 2010, p. 46.
  2. Arendt, Hannah: Sobre la revolución. Alianza Editorial. Madrid, 2013, pp. 29-30.
  3. Bergson, Henri: Materia y memoria. Ensayo sobre la relación del cuerpo con el espíritu. Editorial Cactus. Buenos Aires, 2006, p. 187

Artistas participantes: 

Tania CANDIANI (Ciudad de México, México, 1974) ha sido becaria del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México desde 2012; en 2011 recibió la Beca Guggenheim para las Artes y en 2018 la Beca de investigación para artistas que otorga el Smithsonian Institution. Representó a México en la 56ª Bienal de Venecia. Su trabajo ha sido exhibido en museos, instituciones y bienales alrededor del mundo destacando Queens Museum, Nueva York, EE.UU.; National Taiwan Museum of Fine Arts, Taiwan; LAZNIA Center for Contemporary Art, Gdansk, Polonia; Museum of Latin American Art. MOLAA. Los Ángeles, California; Museum Boijmans Van Beauningen, Rotterdam; ASU Art Museum, Phoenix; Polytechnic Museum, Moscow; National Centre for Contemporary Arts, Nizhni Novgorod, Rusia; XI Cairo Biennial; IV KochiMuziris Biennial; XI Bienal de Cuenca; XIII Bienal de la Habana; XI Bienal de Arte de Lanzarote. En México ha hecho proyectos en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC; el Museo del Chopo, el Museo Amparo, entre otros. Su trabajo forma parte de importantes colecciones públicas y privadas. Ha participado en varios programas de artistas en residencia en Polonia, Reino Unido, Austria, Estados Unidos, Cuba, Colombia, Rusia, España, Argentina, Eslovenia, Japón, Egipto, Taiwán y Lituania.

Alejandro DE LA GUERRA (Managua, Nicaragua, 1986) formó parte de la primera generación artística del Espacio de Investigación y Reflexión Artística (EspIRA). Es miembro cofundador de la zona cultural de autonomía temporal para Nicaragua y Centroamérica Malagana-Mácula, y ha participado en tres Bienales Centroamericanas. Alejandro ha participado en Residencias en la Josef & Anni Albers Foundation; Rosekill Art-Farm, Residency Unlimited RU New York, con el apoyo de Artistic Freedom Initiative AFI, Westbeth, New York, The Artist Protection Fund con el apoyo de SFA y El Instituto de UCONN. Así como algunas residencias en Latinoamérica como URRA en Buenos Aires, Argentina; Câmera Sete Casa da Fotografia de Minas Gerais en Belo Horizonte, Brasil; y RAPACES en Centroamérica.

Regina José GALINDO (Ciudad de Guatemala, Guatemala, 1974) es una poeta y artista que adopta  la performance como vía de expresión. Recibió el León de Oro a la Mejor Artista Joven en la 51ª Bienal de Venecia (2005) y el Premio Príncipe Claus de los Países Bajos (2011). Ha participado en la 49, 53 y 54 Bienales de Venecia, Documenta 14 en Atenas y Kassel, en la 9ª Bienal Internacional de Cuenca (Ecuador), la 17ª Bienal de Sidney, la 2ª Bienal de Moscú o la 3ª Bienal de Lima, entre otras. Además, cuenta con exposiciones en MoMA (EEUU), The Pompidou Foundation (Francia), Fondazione Focara di Novoli (Italia), Molaa Museum of Latin American Art (EEUU), CAAM (España), MUAC (México), MNAC (Rumanía), Museum voor Moderne Kunst Arnhem (Países Bajos), ArtPace San Antonio (EEUU), Nevada Museum of Art (EEUU), Centro Cultural Kirchner (Argentina), MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo (Italia), Palais de Tokyo (Francia), Museum of Contemporary Art Chicago (EEUU), MUSAC (España), MUNTREF Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Argentina), CA2M (España) o Tate Modern (Reino Unido), entre otras.

Patrick HAMILTON (Lovaina, Bélgica, 1974) Su trabajo ha sido exhibido en instituciones como: Centro Cultural Matucana 100, Santiago, Chile; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; DKM Museum, Duisburg, Alemania; Art Museum of the Americas, Washington DC, EEUU; Fundación Pastificio Cerere, Roma, Italia; Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, La Habana, Cuba; Auckland Art Gallery, Auckland, Nueva Zelandia; Centro Cultural Sao Paulo, Sao Paulo, Brasil; The Bronx Museum of the Arts, Nueva York, EEUU; Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsovia, Polonia; National Museum of Contemporary Art, Seúl, Corea del Sur; o Henie-Onstad Kunstsenter, Oslo, Noruega; entre otros. Su trabajo también ha formado parte de bienales como: Bienal de Portland, USA; Pabellón de la Urgencia, 55ª Bienal de Venecia, Italia; 11ª y 7ª Bienal de Cuenca, Ecuador; 6ª y 4ª Bienal de Curitiba, Brasil ; 10ª y 8ª Bienal de La Habana, Cuba, 1ª Trienal de Chile, Santiago, Chile; 1ª Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina; 2ª Bienal de Praga, República Checa ; 26ª Bienal de Sao Paulo, Brasil ; entre otras. Sus obras forman parte de cientos de colecciones públicas y privadas, entre ellas: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Colección Jumex, Ciudad de México, México; El Museo del Barrio de Nueva York, EEUU; The New Collection, Denver, EEUU; o Museum of Latin American Art (MOLAA), EEUU; entro otras.

Abel JARAMILLO (Badajoz, España, 1993) Graduado en Bellas Artes por la UCLM y la UL (Portugal) y Máster en Arte Contemporáneo, Tecnológico y Performativo en la UPV/EHU. Ha mostrado su trabajo de manera individual en Sala Europa (Badajoz), Centro Federico García Lorca (Granada), Galería Fran Reus (Palma), Hypercorps (Bruselas, BE) o Galería Estrany – de la Mota (Barcelona). De manera colectiva, ha participado en exposiciones en La Casa Encendida, Centro Centro (Madrid), Academia de España en Roma (Roma, IT), Galería Ángeles Baños (Badajoz), La Térmica (Málaga), Fabra i Coats, La Capella (Barcelona), Galería Francesco Pantaleone (Palermo, IT), Biquini Wax Eps (Ciudad de México, MEX), Centre del Carmen (Valencia) o Casal Solleric (Palma), entre otros. Ha sido beneficiario de premios y becas como Nudo/Knot 2024 de la Fundación Cerezales (León), Babestu 2024 del Azkuna Zentroa (Bilbao), Beca de la Academia de España en Roma 2022/2023, Generación 2022 de La Casa Encendida (Madrid) o Ayudas Injuve (2017 y 2020) , entre otros. También ha impartido talleres y charlas en la Sala de Arte Joven (Madrid, 2022), el MEIAC (Badajoz, 2022), Hangar (Lisboa, 2018) o La Casa Encendida (Madrid, 2018).

Voluspa JARPA (Rancagua, Chile, 1971) Voluspa Jarpa ha sido objeto de exhibiciones individuales en Fondazione Merz, Turín;  Museo de Arte Moderno de Bogotá;  en el Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile; en la Gabriela Mistral Gallery of the Universidad de Chile; en el MALBA, Buenos Aires; o en La Maison de l’Amerique Latine en París. Ha participado en múltiples exposiciones internacionales incluyendo el Pavellón de Chile en la 58a Bienal de Venecia, Italia; BIENALSUR, Riyadh y Buenos Aires;  HMKV, Dortmund, Alemania;  12a Bienal de Shanghai; Haus der Kulturen der Welt, Berlín; Jewish Museum, Nueva York;  Migros Museum, Zurich;  Biennial of Mercosur, Porto Alegre, Brasil; 31st Sao Paulo Biennial, Brasil;  State University of Rio de Janeiro; 12th Istanbul Biennial; o Kunst Museum of Bern, Switzerland, entre otros. Las obras de Jarpa están en colecciones que incluyen la del MALBA, Buenos Aires; Colección Engel, Santiago de Chile; LARA Foundation, Singapur; Kadist Foundation, San Francisco; Colección Rabobank, Eindhoven, Países Bajos; Museo de Artes Visuales, Santiago de Chile; y el Blanton Museum of Art, Austin, US.

Teresa MARGOLLES (Sinaloa, México, 1963) Su obra ha sido expuesta extensamente en instituciones como Mattatoio, Roma; MUAC, Ciudad de México; Es Baluard, Palma de Mallorca, España; BPS22, Charleroi, Bélgica; Kunsthalle Krems, Austria; MSSA, Santiago de Chile; MAMBO, Bogotá; Padiglione d’Arte Contemporanea en Milán; el Musée d’art contemporain de Montreal; el Neuberger Museum of Art de Nueva York; el CA2M de Madrid; la Tate Modern de Londres; el MALBA de Buenos Aires; el Museo del Barrio de Nueva York; el Brooklyn Museum of Art de Nueva York; o P. S.1 /MoMa, Nueva York, entre otros. Ha participado en la Bienal de Venecia en tres ocasiones, además en la XVI Bienal de Cuenca; XI Bienal de Lanzarote; XXII Bienal de Sidney, Bienal de Los Ángeles, VII Bienal de Berlín, Bienal de Moscú, IV Bienal de Liverpool, Bienal de Praga, IV Bienal del Mercosur y VII Bienal de Cuenca. La obra de Teresa Margolles forma parte de numerosas colecciones de arte de todo el mundo, como la Tate Modern, Londres; el MoMA, Nueva York; el Centre Pompidou, París; el Museum of Fine Arts, Houston, EE.UU.; el Perez Art Museum, Miami; el MACBA, Barcelona; Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Francia; Neuberger Museum of Art, EE.UU.; Castello di Rivoli, Italia; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC; Kunsthaus Zürich; Colección Jumex, Ciudad de México, entre muchos otros.

Nuno NUNES-FERREIRA (Lisboa, Portugal, 1976) Cuenta con exposiciones en Convento de São Francisco (Coimbra, Portugal); Triennale di Milano (Italia); CAV  – Centro de Artes Visuais (Coimbra, Portugal); Centro de Arte Alcobendas (Madrid, España); MIAA – Museo Ibérico de Arqueologia e Arte de Abrantes (Portugal); Macao International Art Biennale 2023 (China); Museu Leopoldo de Almeida (Portugal); Museo Nacional de Arte Contemporânea do Chiado (Lisboa, Portugal); CAA-Centro de Artes de Águeda (Portugal); Museo Lázaro Galdiano (Madrid, España); o Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (España), entre otros. Su obra forma parte de numerosas colecciones públicas y privadas, entre otras Calouste Gulbenkian Foundation, IVAM, MAAT, FLAD, EGEAC, MU.SA, Censored Collection by Tatxo Benet, Colección Kells, Fundación Hortensia Herrero, Colección Norte de Arte Contemporáneo, Fundación Focus Abengoa, Fundació Sorigué, Colección DKV, Bienal de Cerveira Foundation, Liberty Seguros, Colección Olor Visual o Colección ACB.

Lotty ROSENFELD (Santiago de Chile, Chile, 1943-2020) En 1963 ingresó a la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile. Desde 1970, y durante varios años, se dedicó exclusivamente al grabado. El año 1977 marcó un período de transición en su obra. Chile vivía bajo una dictadura militar y muy pocas iniciativas disidentes podían desarrollarse abiertamente; en ese contexto, fue fundamental reformular su papel como artista. En 1979 junto a Juan Castillo, Fernando Balcells, Diamela Eltit y Raúl Zurita, funda el colectivo acciones de Arte CADA. Paralelamente inicia una nueva etapa en su producción artística la que realiza ininterrumpidamente a lo largo de su vida. La calle se convierte en el medio material de sus intervenciones, utilizando las líneas que dividen las pistas de circulación vehicular para crear un signo +. Dicho gesto fue ampliándose a distintas operaciones estéticas. Extrayendo imágenes públicas de televisión e internet, más sus propios registros, para luego producir piezas de video-arte, video-instalaciones, instalaciones sonoras. Participó en los festivales más importantes First Tokyo International Video, 5ª Bienal de Estambul, V Bienal deShanghai, Documenta 12, 29ª Bienal de Sao Paulo o 56ª Biennale di Venezia. Su obra está en las colecciones del MoMA, Tate Modern, Museo Nacional Centro Reina Sofía, Museo Guggenheim, Colección FRAC Lorraine, Stedelijk Museum o MALBA, entre otras.

Acaymo S. CUESTA (Gran Canaria, España, 1983) Su trabajo ha expuesto su trabajo en espacios como Casa Fugaz (Lima – Perú), Glogauair (Berlín – Alemania), Museo Cabildo (Montevideo, Uruguay), Musée dárt moderne (Colliure, Francia),  C.A.A.M. Centro Atlántico de Arte Moderno (Gran Canaria – España), Rofa Project (Potomac – EEUU), Festival de Arte Contemporáneo SACO9 (Antofagasta – Chile), Fundación Canaria Francis Naranjo (Gran Canaria – España), Bienal Nómada en el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo – MAAC, (Guayaquil – Ecuador), Clamplight Gallery (San Antonio – Texas – EE.UU), Museo Nahin Isaias (Guayaquil – Ecuador), Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia – España), 13º Festival de videoarte Proyector´20 (Madrid – España), 9º FIVAC, Festival Internacional de videoarte de Camagüey, Cuba, IX Bienal Internacional de Arte SIART (La Paz – Bolivia), Centro de Arte La Regenta (Gran Canaria – España), S.A.C. Sala de Arte Contemporáneo (Tenerife Islas Canarias – España), Galería No Lugar (Quito – Ecuador), TEA Tenerife Espacio de las Artes (Tenerife – España), Hardy Tree Gallery (Londres – Reino Unido) entre otros. Su obra se encuentra en las colecciones de Les Abattoirs, Musee-Frac Occitanie. Toulouse, Francia, Centro Atlántico de Arte Moderno. Gran Canaria, España, o Museo de Antropología y Arte Contemporáneo. Guayaquil, Ecuador, entre otras.

Avelino SALA (Gijón, España, 1972) ha recibido varias becas entre las que destacan Cajastur, Hangar, Bilbao Arte y el Premio Generaciones de CajaMadrid. En 2007 fue galardonado por la UNESCO y la Fundación para las Artes de Nueva York con el Artport International Video Award en Basilea (Suiza) y en 2010 con el Premio VAD, Festival de Videoarte de Girona. También fue becado por la Real Academia de España en Roma y por el Centro de Arte Le Lait en Albi, Francia, en 2012. Su obra ha sido presentada en espacios como Es Baluard Museo de Arte Contemporáneo de Palma, España; National Center for Contemporary Art  – NCCA, Moscú; CA2M, Madrid, España; Matadero, Madrid, España; Centro Dart Le Lait Grahulet, Francia; ARTIUM, España; MUSAC, España; X Bienal de la Habana, Cuba; A Foundation, Londres, Reino Unido; October Contemporary, Hong Kong, China; TEA Tenerife Espacio de las Artes, España; o Tina B Biennale Prague, República Checa; Centre del Carme, Valencia, España; o Chelsea Art Museum, Reino Unido, entre otros. Ha participado en la Bienal de Cuenca, Ecuador; Bienal Sur, Colombia; Bienal Dakar, Senegal: XI Bienal de Arte de Lanzarote, España, y una exposición individual en el pabellón español en la Bienal de Malta (2024).

 

Curador: 

Adonay Bermúdez

Ha curado exposiciones para el Museo Nacional de Costa Rica, CAAM – Centro Atlántico de Arte Moderno (Gran Canaria, España), IAACC Pablo Serrano (Zaragoza, España), Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, Centro de Cultura Contemporánea Condeduque (Madrid, España), Instituto Cervantes de Roma (Italia), Bòlit Centre d’Art Contemporani (Girona, España), DA2 (Salamanca, España), X Biennale di Soncino (Cremona, Italia), Artpace San Antonio (Texas, EEUU), MUDAS – Museo de Arte Contemporânea da Madeira (Portugal), Museo de Arte Moderno Chiloé (Chile), TEA Tenerife Espacio de las Artes (España) o Centro de Arte Contemporáneo de Quito (Ecuador), entre otros. Fue director del Festival Internacional de Videoarte “Entre islas” (2014-2017), curador invitado de PlanoLisboa 2016 (Portugal), Scientific Committee de Over The Real International Videoart Festival (Italia, 2015, 2016 y 2017), director de Espacio Dörffi (2017-2018), curador en 2018 de Contemporary Art Month de San Antonio (Texas, EE.UU.), curador colaborador de la Fundación César Manrique (2019-2020), curador en 2022 de las Ayudas INJUVE (Gobierno de España), curador invitado en 2022 de ArtConnect (Berlín, Alemania) y director artístico de la 11 edición de la Bienal de Arte de Lanzarote (2022-2023). Ha publicado tres libros y actualmente crítico de arte para ABC Cultural. Ha recibido becas de investigación y premios en EEUU, México, Colombia, España o Ecuador y habitualmente imparte conferencias para universidades.

Evento Inaugural a cargo de Adonay Bermúdez / J’accuse. Disidencias, conflictos bélicos y arte contemporáneo / Sala Panorama / 17 julio a las 19:00 h

Teniendo como punto de partida la película francesa J’accuse (1919) de Abel Gance, película que denuncia los horrores acaecidos durante la Primera Guerra Mundial, el comisario Adonay Bermúdez hace un balance por diferentes representaciones bélicas realizadas en el ámbito del arte contemporáneo del último siglo, centrándose especialmente en las décadas más inmediatas. El objetivo es acercar la labor de denuncia pública llevada a cabo por los/las artistas, así como evaluar los conceptos de historia, violencia, desobediencia civil, estrategia o iconografía. Una cartografía crítica de los discursos y prácticas pasadas y presentes que permita escrutar el panorama bélico actual desde una perspectiva artística.

Entrada libre. 

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