Artistas invitados:

Juan Francisco Maldonado, artista invitado en la segunda sesión del ciclo: Ratas doradas. Le interesa la coreografía, el cuerpo, la teoría y sus interrelaciones aplicables a múltiples territorios como la música pop, el ejercicio editorial, la crítica, la pedagogía y los dispositivos sociales. Pertenece al Colectivo AM (Arrecife, 2013, MUAC; Banco Universal de Pasos de Baile; LACE 2019), es parte de la banda coreográfica electropical Los Vecinos del Ritmo y de La liga Tensa, que investiga la protesta como fenómeno coreográfico (Es enorme y se mueve como el gas, 2017, Casa del Lago). Fue comisionado por la Bienal FEMSA 2020 junto con Nadia Lartigue para desarrollar la pieza “Canciones para Personas que También son Espacios” y por Connecting the Dots para la instalación sonora “Ay, olor” (2021). Sus textos han sido publicados en Tierra Adentro, La Tempestad, Lobo Suelto, Blog de Crítica y recientemente en las antologías Nada, de la editorial Alacraña, Vamos pal perreo, de Fruta Bomba, y El tiempo es lo único que tenemos, de Caja Negra.

Santiago Villalpando. Artista escénicx. Su práctica investiga las potencias expresivas y comunicativas del cuerpo, haciendo cruces entre disciplinas escénicas, escritura, teoría, producción de memes. Es parte del núcleo de producción de la compañía Pornotráfico. Ha participado en Los hombres lobo viven en mi clóset con El Espejo Teatro, La estupidez con Residentes Colectivo, Jodidxs y Zombies comunistas de Anacarsis Ramos, A orillas del fuego de Fernando Renjifo, Alberto Núñez y Nadia Lartigue, Marcelino/Dioses del maíz de Fernando Guez y Los grises de Nadia Lartigue.

Raquel Salgado, artista invitada en la segunda sesión del ciclo: El recorrido de las lenguas. Docente, coreógrafa y bailarina. Se enfoca en procesos asociativos e interdisciplinares que van de lo visceral a lo formal, creando narrativas no lineales en donde resalta la relación entre cuerpo, performance, danza, espacio, lenguaje y sonido. Su práctica abre espacios que oscilan entre lo improvisado y lo preconcebido, lo visible y lo invisible. Ha compartido talleres dentro de centros psiquiátricos con hombres mayores y mujeres adolescentes.

Rodrigo Ambriz. Artista vocal y manipulador de cintas magnéticas. Su obra aborda las propiedades catárticas y plásticas de la fonación, la dislocación del sentido, los placeres prelingüísticos y el grito como grieta vital.
De 2008 a la fecha es conocido en el contexto de la música experimental que orbita la Ciudad de México por su amplia gama de técnicas vocales extendidas y sus peculiares procesos de cinta, a los que suele nombrar electroacústica de bajo presupuesto. Su práctica lo ha llevado a moverse en contextos y lenguajes que van de la interpretación de piezas contemporáneas, la improvisación libre y el harsh noise sin propiamente afiliarse a ninguno de estos. Colabora regularmente en el contexto de la danza butoh.

Coral Montejano, artista invitada en la tercera sesión del ciclo: ¿Es esto un dueto?. Es bailarina, coreógrafa e investigadora. Su trabajo se ha presentado en diversas plataformas de México e Inglaterra como Abeerance, Celebraciones Carnales, Festival Encender un Fósforo, Encuentro Nacional de Danza, Salón de Danza UNAM, CASUL UNAM (DAJU), entre otros. Ha publicado textos acerca de la obra de Yvonne Rainer, Jérôme Bel, La Ribot y Rebecca Horn; así como ensayos experimentales, entrevistas y reseñas de obras de danza en plataformas como Nexos Cultura, 2 (da) Cuadernos de Danza, The Wonderful World of Dance, Danza UNAM, Cátedra Gloria Contreras, Museo El Eco y Punto de Partida.

Sus intereses coreográficos deambulan en pensar la relación entre danza y escritura; así como el diálogo entre lo efímero, la permanencia, el archivo y la memoria corporal. Su investigación de movimiento se informa principalmente de prácticas somáticas como son el método Feldenkrais y la Improvisación de Contacto, en donde pone importancia al proceso y a la experimentación.

Rosa Villanueva, artista invitada en la tercera sesión del ciclo: ¿Es esto un dueto?. Es licenciada en Coreografía por la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea y egresada del Programa Profesional de “The Ailey School” en Nueva York. Rosa formó parte del sexto elenco del Centro de Producción de Danza Contemporánea (2021-2022).

En 2019 fue acreedora a un apoyo por parte del CENART para la co-producción de “Erizo”, pieza interdisciplinaria a estrenarse en el marco del 25 Aniversario del Centro Nacional de las Artes. Ese mismo año fue asistente de coreografía de Amanda Piña para la pieza On fire/calentamiento global. Ganadora del premio a la mejor videodanza con la pieza Isolated birthday bajo la categoría Stay Home Screendance dentro del festival de videodanza de Portland en el año 2020. Ganadora de la convocatoria Coreógrafos emergentes 2021 del TCUNAM con la pieza ADXN & EVX, apoyo para la coproducción y creación de la propuesta con integrantes del Taller Coreográfico.

Sus piezas coreográficas han sido presentadas en festivales como: Festival de arte y ciencia de la UNAM (2023), Festival Internacional de Danza de Jalisco (2022), Festival LDC Danza (Madrid, 2021), Portland dance film festival (2020), CIRCA-ART 20:20 en Piccadilly Circus, Londres (2020) Festival de danza contemporánea Nellie Campobello (2020), Muestra movimiento audiovisual (2019), DID2017, Festival Subterráneo Escénico y Festival Solos en tránsito, entre otros.

Paulina Grange,  artista invitada en la cuarta sesión:  No llegar es también un destino. Indaga en los actos del lenguaje desde el conocimiento corporal, a través de procesos que estimulan el pensamiento crítico-sensible y sus diversas maneras de apropiación y resignificación. Su trabajo con el cuerpo se ha desarrollado a través de la investigación en el entrenamiento del butoh, la antropología y el psicoanálisis. Estas exploraciones han sugerido preguntas sobre la disposición a la transformación que la han llevado a experimentar el cuerpo sutil desde la escritura, la escucha, la sonoridad de la voz y la creación visual. Su sensibilización teórica toma forma en el posgrado en Antropología del arte y en múltiples acercamientos a procesos transdisciplinarios de investigación, experimentación y producción artística en espacios que indagan en pedagogías de lo común. Es a través del movimiento y de la creación escénica que encuentra un ejercicio de reflexión y creatividad. Actualmente, gestiona en colectivo una casa al sur de la Ciudad de México, abierta a la exploración artística multidisciplinaria.

Eric Valencia. Es licenciado en artes plásticas por la ENPEG “La Esmeralda”. Ha expuesto de manera colectiva en Reino Unido, Estados Unidos de América, Ecuador y Austria. En México su obra ha sido expuesta en lugares como el Museo de Arte Moderno MAM, el Museo de Arte Contemporáneo de Hidalgo MACH, el Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán MACAY y el Museo Tamayo Arte Contemporáneo.
Entre sus exposiciones individuales destacan: aun a riesgo de desencadenar una revuelta, curada por Sandra Sánchez, en Seminario 12, en CDMX (2021); Y luego vuelve al revés, en el Museo de Arte Contemporáneo de Hidalgo (2021); Línea de fatiga, curada por Christian Barragán, en Sismo Gallery (2017). Ha sido beneficiario de la beca del FONCA en la categoría de Jóvenes Creadores en 2013 y 2011. Es co-director de El Cuarto de los Ojos Sucios, un programa público de reflexión sobre pintura contemporánea. Ha escrito ensayos sobre pintura y arte contemporáneo en distintas publicaciones nacionales. Actualmente participa regularmente escribiendo sobre pintura contemporánea en la revista Onda MX.

Ana Paula Santana, artista invitada en la quinta sesión: Genealogías de la voz. Artista radicada en Guadalajara que trabaja en los campos de arte sonoro, música experimental, gráfica, cerámica, video e instalación. Licenciada en Ciencias de la Comunicación, con un diplomado en Creación Literaria por la SOGEM México y un máster en Arte Sonoro por la Universidad de Barcelona. Fue beneficiaria de Jóvenes Creadores en los años 2016 y 2018; en 2020 le fue otorgado el reconocimiento Creadores de Paz por el proyecto Resiliencia. Su obra ha sido exhibida en el Museo de Arte de Zapopan, Ex Teresa Arte Actual, Museo Anahuacalli, Bienal FEMSA, Festival In-Sonora. Ha sido artista residente en Bemis Center for Contemporary Arts, SOMA y en este verano en Art Omi. Utiliza el pseudónimo Ana Fauna para producciones musicales y actos en vivo. Es fundadora y directora de O.Y.E. Oficio y Experimentación, un espacio para la difusión y formación de arte y sonido en Zapopan, Jalisco.

Jaime González (Ciudad de México, 1991) es gestor, curador, historiador del arte y diseñador. Cuenta con la especialización y la maestría en historia del arte por la UNAM. Su trabajo se desplaza entre las historias arte contemporáneo, las posibilidades de la investigación artística, así como por las iniciativas de vinculación con comunidades a partir del arte. Desde 2019 forma parte del equipo curatorial del MUAC en donde ha participado en la coordinación de exposiciones de artistas como Yvonne Venegas, Mariana Castillo Deball, Claudia Andujar, Alcira Soust Scaffo, entre otrxs. Fue co-curador de la muestra de archivo Curare: remedios, venenos y estrategias artísticas (2022). Ha sido colaborador invitado para revistas como Terremoto y Chiquilla te quiero. Desde 2021, colabora de la plataforma satelital de experimentación artística Arte UNAM, una iniciativa de la DiGAV-UNAM.

Nadia Lartigue. Coreógrafa, bailarina, docente interesada en repensar las posibilidades de la coreografía, expandir sus formatos y explorar su potencial político junto con Juan Francisco Maldonado, la Liga Tensa, el colectivo A.M., los Vecinos del Ritmo, Fernando Renjifo, Katia Castañeda. Ha colaborado con Xavier Le Roy, Abraham Cruzvillegas, Cuatro x Cuatro, Eric Meyenberg… Su práctica está atravesada principalmente por la danza, y en muchos casos deriva en ejercicios editoriales, sonoros, y pedagógicos.

Laura Abad. Performer, iluminadora, gestora y productora. Graduada en Ingeniería en Cartografía de la UBA, Argentina. A partir de sus estudios y experiencias como actriz y performer escénica se formó como iluminadora teatral en el Teatro Colón en Buenos Aires y paralelamente se interesó en la puesta en escena. Estudió diferentes medios analógicos y electrónicos con el afán de relacionar el cuerpo (de las demás y el suyo propio) con la luz e indagar sus posibilidades. La puesta in situ, la teatralidad especifica y la particularidad de cada montaje son motivaciones vitales con los que relaciona experiencias lumínicas diversas, a través de una amplia mezcla de recursos que ha investigado como la video proyección, la proyección analógica, la iluminación teatral, el video feed-back, los diferentes softwares y hardwares para la interactividad y la multimedia. Ha impartido talleres de iluminación en México, España y Argentina. Imparte un taller constante de Cuerpo y Video, además de dar prácticas regulares de yoga en diferentes puntos de la ciudad. Su búsqueda se basa en experiencias lumínicas y de video, relacionadas con el movimiento. Desde 2018 codirige el espacio independiente El Entresuelo, lugar para el cuerpo y sus instintos, en la Ciudad de México, donde se desenvuelve como gestora e investigadora.

Isaac Torres.