Seminario teórico-práctico que aborda prácticas artísticas desplazadas o subalternas que contemplan aquellos procesos de creación que no son la producción directa de objetos, sino que tienen que ver con aquellos procesos en los que la materia prima son el espacio, el texto y los propios artistas. Es decir, proponemos entender que la puesta en marcha de proyectos autoorganizados, la edición o autoedición de publicaciones y/o la curaduría de proyectos autónomos se consideren un práctica artística en sí misma, cómo pueden abordarse y cómo pueden ponerse en marcha, haciendo una revisión de distintos ejemplos históricos a nivel internacional, repasando los que se han puesto en marcha en España y revisitando algunos en México.

Así, proponemos un seminario articulado en seis grandes áreas que abarcan la práctica generada por procesos de gestión de prácticas subalternas: La autoorganización, la autoedición, el espacio de convivencia, la formación, el concepto de lo situado y la experimentación.

Prácticas Artísticas Subalternas: La autoorganización y sus prácticas. Seminario teórico-práctico.

Duración: Julio, agosto, septiembre de 2023

Estructura:Durante estos tres meses se impartirán seis módulos en formato taller teórico-práctico, siendo la charla de clausura abierta al público general el último día de cada módulo. Cada uno de estos tiene una duración total de 15 horas, repartidas en 5 sesiones de 3 horas.

Objetivos

– Propiciar el diálogo y la discusión entre creadores de distintas disciplinas
– Fomentar la práctica reflexiva y autocrítica
– Incitar la búsqueda de desplazamiento, expansión, y diversificación de la práctica artística
– Detonar el análisis del contexto en el que se trabaja y se articula la obra artística
– Promover la escritura sobre arte y cultura fuera de los cánones académicos
– Deconstruir nociones pre-establecidas sobre la práctica artística, su diseminación, socialización, publicación, análisis e institucionalidad.

Módulo 1. AUTOORGANIZACIÓN. Ramón Mateos / 17-21 de julio de 2023 (15 h)

¿Podemos entender la creación, organización y programación de un proyecto autoorganizado como una práctica artística? En este módulo nos preguntaremos qué es un proyecto autoorganizado y haremos una revisión histórica con casos de estudio en España y México. De algún modo, proponemos cuestionarnos si estos proyectos más que dar soporte a una práctica concreta no se podrían considerar una práctica artística en sí misma, una que más allá de ahondar en la producción discreta de objetos y acciones destinadas al consumo de un mercado del arte expandido, busque la creación de situaciones complejas, una práctica artística desplazada hacia todo aquello que hacen los artistas que no son objetos u acciones.

Así, bajo lo que se podrían denominar prácticas artísticas desplazadas, se busca problematizar e investigar sobre una amplia serie de cuestiones relacionadas con las prácticas artísticas que van más allá de la producción de acciones y objetos, es decir, aquellas que tienen que ver con situaciones en las que se implica a terceros, de las audiencias y públicos, a otros artistas e invitar a los participantes a buscar y explorar nuevos formatos.

Ramón Mateos (ES) Artista, curador y gestor cultural, en la actualidad está escribiendo su tesis doctoral sobre prácticas artísticas subalternas. Recientemente ha co-curardo la exposición Todo lo Demás. Un acercamiento a los espacios de creación de Madrid. Ha expuesto sus trabajos y proyectos en Museos y Centros de Arte nacionales como Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MUSAC, CAAC, ARTIUM,

Centro de Arte Santa Mónica, IVAM, Centro Párraga, MEIAC, CCCB, entre otros e internacionales como KIASMA, Moderna Museet, COBRA Museum, Ex Teresa Arte Actual, Museo Carrillo Gil, PS1-MOMA o las bienales de Taipei, Moscú, Estambul o BienalSur-Colombia entre otros. Dirige el espacio de creación Nadie Nunca Nada No desde 2013 y es asesor de distintas galerías de arte contemporáneo, entidades privadas e instituciones públicas.

Módulo 2. AUTOEDICIÓN. AL NOPAL SÓLO SE LE ARRIMAN CUANDO TIENE TUNAS. Blanca Sotos / 24-28 de julio de 2023 (15 h)

Prácticas editoriales expandidas. La autoedición como punto de encuentro y sistema de generación de contenidos teórico-experimentales que atraviesan una comunidad construyendo espacios de resistencia. A partir de la presentación del proyecto «Corazón Blanco, sonrisa amarilla», realizado durante 2021 en diversas ciudades de Marruecos (Tetuán, Rabat, Casablanca, Fez, Chauen, Tánger…), pensaremos cómo realizar una versión similar en la Colonia Centro de la Ciudad de México.

Blanca Sotos (Madrid, 1978) es licenciada en filosofía por la Universidad Complutense de Madrid y cursó el máster de edición de la Universidad de Salamanca. Piensa, lee, escribe, traduce, corrige, edita y publica distintas textualidades. Dirige marcablanca desde 2018. Entre otras cosas ha sido encargada de EXIT, la librería en CDMX, directora editorial de Museo Jumex y directora de PaperWorks 2017 en México. En la actualidad es docente en la American University y dirige la feria de publicaciones de arte contemporáneo MiraLookBooks

Módulo 3. RESIDENCIAS ARTÍSTICAS. MODELOS DE INFORMALIDAD, INTERCAMBIO Y ARRAIGO EN LATINOAMÉRICA. Lorena Peña Brito / 14-18 de agosto de 2023 (15 h)

Este taller abre un espacio de reflexión sobre las formas de vida de algunos proyectos de residencias en América Latina, sobre sus estrategias de adaptación, vinculación y sobrevivencia desde la imaginación y la implementación de estrategias artísticas y performativas. A partir de referentes teóricos y testimonios, conoceremos las implicaciones de convivencia entre distintos agentes que confluyen en los programas de residencias y que articulan distintas maneras de interrelación entre sí, entre las comunidades que les acogen, frente a las tensiones que les atraviesan desde la auto-organización.

Lorena Peña Brito (Guadalajara). Curadora, escritora y gestora cultural, Lorena Peña Brito creció en Los Cabos, Baja California Sur, tiene estudios en Crítica de Arte y Gestión Curatorial, y cursó la maestría en Teoría Crítica por el 17 Instituto de Estudios Críticos, Ciudad de México. Entre sus proyectos curatoriales más recientes se encuentran El Libro Vivo Sobre la Salud, para PAOS GDL (BECA PAC COVID19); Enterrar los Pies en el Paisaje, para KADIST y Museo Cabañas (2021- 2022) sobre distintas problemáticas en el territorio costero; y la XIX Bienal de Fotografía para el Centro de la Imagen, Ciudad de México (2021). Su trabajo crítico ha sido parte de libros de artistas como Cynthia Gutiérrez, Santiago Merino y Eduardo Sarabia; y publicado por revistas como Harper’s Bazaar, La Tempestad, Terremoto y Replicante, entre otras. Fue directora de PAOS GDL 2013- 2019 y hasta el 2021, formó parte de su Consejo. Actualmente tiene la beca PAC (2022), por el proyecto de residencias artísticas Inari Maru. Arte Imaginación y Costa.

Módulo 4. LO SITUADO. Alex Brahim / 21-25 de agosto de 2023 (15 h)

Este módulo tiene como objetivo profundizar y analizar el concepto de “lo situado” en el contexto de la práctica artística, la gestión cultural y social. Se hace hincapié en el compromiso y el trabajo de largo plazo en intensidad variable con una comunidad específica, sus problemáticas socioculturales y políticas, estableciendo una práctica vinculada a la militancia ya que comparte, más allá de la proximidad física, cierto grado de opresión o complejidad vital.

Se estructura en torno a dos casos de estudio: «Juntos Aparte» y «Kairós», procesos situados llevados a cabo en Cúcuta, principal ciudad fronteriza entre Colombia y Venezuela, abordando el vacío institucional en escenarios de integración ciudadana a través de la práctica artística y la pedagogía cultural. Ambos surgieron como respuesta cívica al contexto de flujos migratorios mixtos donde se cruzan el éxodo masivo venezolano y el desplazamiento forzado del conflicto colombiano, otorgando centralidad al relato histórico binacional y la subjetividad local como potencialidades para la convivencia y la reconciliación.

Alex Brahim (Cúcuta, Colombia, 1977). Curador independiente y director de proyectos culturales. Su perfil enlaza los estudios culturales y la creación contemporánea, su especialidad, con la acción desde la sociedad civil. Gestor, programador, productor e investigador, sus activaciones incluyen la plataforma DiBiNa y el espacio Antigua Casa Haiku en Barcelona y la Fundación El Pilar en Cúcuta, órgano gestor del proyecto JUNTOS APARTE en el marco de BIENALSUR y KAIRÓS Escuela de Integración y Cultura Ciudadana en asocio con UNICEF. Es miembro del Consejo Nacional de Artes Visuales de Colombia.

Módulo 5. LO FORMATIVO. SOMA Y LA EDUCACIÓN NO FORMAL / ARTE NO FORMAL. Yoshua Okón y Taniel Morales / 18-22 de septiembre de 2023 (15 h). Arte contemporáneo, pedagogía crítica, conocimiento situado, actuancia.

Proponemos entender y repensar los procesos de aprendizaje colectivo y la relación entre pedagogía crítica y arte en entornos educativos formales y no formales. Así, un proyecto como SOMA se propone como caso de estudio con una charla abierta impartida por Yoshua Okón y un taller práctico de teoría a cargo de Taniel Morales. El taller aborda la idea de educación no formal como una respuesta creativa a imposibilidades de la llamada educación formal. A partir de este marco, se construye grupalmente la idea de arte no formal como respuesta crítica a la idea de arte naturalizada. La metodología del taller es de educación endógena, el grupo construye el conocimiento que necesita para transformar su práctica. Áreas por construir: dimensiones de la educación no formal (mediación pedagógica, currícula y proceso, formación de grupo, justicia social y justicia epistémica); desprendimientos de la idea de arte y consecuencias estratégicas, urgencia y emergencia.

Yoshua Okón (Ciudad de México, 1970). Su trabajo es una serie de experimentos ejecutados para la cámara donde se mezclan situaciones actuadas, documentación e improvisación, cuestionando las percepciones habituales de la realidad y la verdad, la individualidad y la moralidad. En 2002 recibe la maestría en arte de UCLA con el apoyo de una beca Fulbright. Entre sus exhibiciones individuales se encuentran: Yoshua Okón: Colateral, MUAC, Ciudad de México y Museo Amparo, México, Yoshua Okón: In the Land of Ownership, ASAKUSA, Tokio; Saló Island, UC Irvine, Irvine; Piovra, Kaufmann Repetto, Milán; Poulpe, Mor Charpentier, París; Octopus, Cornerhouse, Manchester y Hammer Museum, Los Ángeles y SUBTITLE, Kunsthalle, Múnich. Entre sus colectivas se encuentran: Manifesta 11, Zurich; Bienal de Gwangju, Corea; Bienal de Estambul, Estambul; Antes de la resaca, MUAC, México DF; Incongruous, Musèe Cantonal des Beux-Arts, Lausanne; El horizonte del topo, Beaux Arts, Bruselas; Bienal de Mercosur, Porto Alegre; Amateurs, CCA Wattis, San Francisco; Laughing in a Foreign Language, Hayward Gallery, Londres; Adaptive Behavior, New Museum, NY y Mexico City: an exhibition about the exchange rates of bodies and values, PS1, MoMA, NY, y Kunstwerke, Berlín. Su obra se encuentra en las colecciones del Tate Modern, Hammer Museum, LACMA, National Gallery of Australia, Museo Amparo, Colección Jumex y MUAC, entre otras. Es fundador de los espacios independientes La Panadería (1994) y SOMA (2009).

Taniel Morales (Ciudad de México 1970). Su trabajo se inscribe en la Plástica Social, territorio del Arte Contemporáneo que plantea como espacio creativo los vínculos entre las personas. Realiza proyectos de múltiples disciplinas, medios y técnicas, no solo del campo de las artes, como instrumentos para la formación de grupos creativos (colectivos) y relaciones humanas desenajenadas (sujeto-sujeto). En su labor la frontera entre pedagogía y práctica artística está desdibujada, pensando que las relaciones que se establecen en un taller son más profundas que en el arte participativo, y a su vez, la libertad con la que puede trabajarse una pieza artística nutre la pedagogía. Para Taniel Morales el arte es una herramienta para crear sentido y explorar las urgencias personales, grupales y comunitarias.

Módulo 6. ARTE CONTEMPORÁNEO Y JOTILENCIA UN ESPACIO PARA LA EXPERIMENTACIÓN. Olga Rodríguez y Laos Salazar. SALÓN SILICÓN / 25-29 de septiembre de 2023 (15 h)

Este taller busca trabajar a partir de un caso de estudio de un proyecto autoorganizado cuya práctica desborda los usos habituales de un proyecto expositivo, centrado en la experimentación espacial y el uso de espacios no habituales. Salón Silicón comienza como un «artist run space» o «galería cutre de arte contemporáneo», operando desde un pequeño cubo blanco que fue un salón de belleza en la colonia Escandón, principalmente para exhibir obra hecha por mujeres y LGBTQ+s.

Han trabajado también como colectivo curatorial, produciendo exposiciones fuera de nuestro espacio, casi todas relacionadas con temas de sexo y género, tratando de incluir en ellas a un grupo diverso de artistas. Participaron en Siembra, un proyecto de Kurimanzutto en CDMX (2020-2021) y SUM Gallery en Vancouver, Canadá. (2023), Desde 2017 han hecho más de 60 exposiciones, brindando a muchxs artistas jóvenes su primera muestra individual. Han realizado colaboraciones con museos como JUMEX, La Tallera y Bellas Artes en México, para dar charlas y realizar intervenciones artísticas en torno a intereses trans/homosexualizantes. Como galería representante de un pequeño grupo de artistas, han participado en ferias de arte como ZonaMACO, Material Art Fair y Salón ACME, en CDMX.

Se piensan a si mimxs también como espacio no galerístico que ofrece sitio a la comunidad para diferentes actividades como películas, presentaciones de libros, reducción de riesgos para consumidores de drogas, etc.

Olga Rodríguez (Irapuato, 1981). Cofundadora y directora, con experiencia en producción y comercialización de arte contemporáneo. Trabajó de 2008-2013 en la galería Juana de Aizpuru, en Madrid, y de 2015 -2021 como manager del estudio y taller de Damián Ortega. A veces produce documentales.

Laos Salazar (Ciudad de México, 1990) Cofundador. Artista y curador independiente que trabaja en la subjetividad queer y la construcción de la masculinidad homosexual.

Número de participantes: Grupo de trabajo interno de 15 personas. La charla de cierre de cada módulo es abierta al público general.

Perfil de participantes: Mayores de 18 años, interés en el arte contemporáneo, con estudios relacionados o sin ellos e interesadxs en las distintas prácticas que se abordarán durante el seminario. Lxs participantes podrán inscribirse indistintamente en todo el seminario (6 módulos, formulario disponible abajo) o solo en alguno de ellos (convocatoria próximamente).

Lista de admitidxs:

Rocío Gerrero Mondoño

Fernanda Reyna Cervantes

Alma González Ferrer

Hiram Velázquez Ham

Elisha Enrique Varas

Beatriz Itandehui Rojas de la Tejera

Ignacio Plá Pérez

Emilia López Guzmán

Cristina Torres Valle Pons

Majo Martínez

Sergio Hugo González Valdivia

Juan Manuel Outon Alvear

Israel Torres Rangel

Lorena Antonieta Lina Limones

Circe Irasema Manzano Valenzuela